Nový

Silvia Guerra - Její obrazy

Silvia Guerra - Její obrazy


Abychom vám mohli nabídnout nejlepší možnou službu, používá tento web soubory cookie. Chcete-li se dozvědět více, přečtěte si naše informace.
Pokračováním v procházení, kliknutím na ok nebo posouváním stránky souhlasíte s použitím všech cookies.

OKInformace o cookies


Silvia Guerra - Její obrazy

Lucio Ranucci, jeden z představitelů uměleckého hnutí známého jako „realistický kubismus“ se narodil v roce 1925 v Perledu (tehdy v provincii Como, nyní Lecco). Otec i matka jsou lékaři, a proto jsou nuceni často se stěhovat za prací, takže Lucio a jeho malá sestra Silvia prožívají dětství v různých prostředích mezi severní a jižní Itálií. Bohužel v roce 1933 zemřel jeho otec Bernardino a jeho matka se rozhodla přestěhovat se svou dcerou do Milána, takže Lucio opustil internátní školu v Perugii, kde chlapec zůstal studovat osm let.

Na začátku roku 1943 Lucio Ranucci, stejně jako mnoho z jeho osmnáctiletých vrstevníků, dobrovolně spolupracoval s italským vojenským kontingentem pro severní Afriku za to, co považoval za hrdinské dobrodružství. Dobrodružství trvalo několik měsíců, v květnu téhož roku byl zajat v Tunisku a v lednu 1945 se vrátil do Itálie jako tlumočník pro anglo-americké jednotky. Po válce se Lucio Ranucci připojil ke své rodině v Miláně, kde pracuje jako novinář, ale v roce 1947, vedený touhou po znalostech, odchází do Argentiny.

Lucio Ranucci nemá mnoho ekonomických možností a na začátku svého pobytu v Latinské Americe, aby žil, je nucen přijímat příležitostná zaměstnání: je námořník, řidič pohřebního vozu, fotograf, stěhuje se do Chile, Bolívie a , vždy udržující blízkost kulturního prostředí různých zemí, malování a zájem o místní malbu. Lucio Ranucci je i nadále novinářem malováním svých zpráv odsuzujících chudobu, útlak a nesvobodu jihoamerického obyvatelstva. Od roku 1949, roku své první samostatné výstavy v Galleria Marini v Limě v Peru, vystavoval téměř každý rok v Ekvádoru, Kolumbii, Nikaragui a za posledních čtyřicet let ve Spojených státech, Itálii a Evropě.

V roce 1950 se Ranucci přestěhoval do Ekvádoru, kde se svou hlubokou kulturou a vášní pro divadlo pracoval jako režisér a scenárista v divadle univerzity v Quitu a vystavoval v Kolumbii a na Jamajce. Lucio Ranucci, který patří do školy Murales, je stejně jako Diego Rivera přesvědčen o nutnosti „zakřičet“ sociální pravdu malbou, jako to udělal Picasso při malování Guernice. „Malba - řekl v rozhovoru v roce 1980 - je pro mě obzvláště zajímavý kvůli svému dopadu na společenské a politické jevy, samozřejmě dnes se dosahuje okamžitějších výsledků s kinem, v tomto smyslu as televizí, ale trochu se zamysli když byl malíř skutečně jediným svědkem své doby, byla to výjimečná skutečnost, existovala grafická funkce svědectví „Technika, kterou Lucio Ranucci používá ve svých obrazech, je technika oleje a akrylu, s přidáním, někdy, písek a přistane.

Lidské postavy, oblíbené předměty Lucio Ranucci, jsou statické, často zepředu, vypadají jako dřevěné figuríny, ale paradoxně tyto geometrické a kubistické tvary vyjadřují velkou duchovnost a hluboké emoce.

V roce 1951 přijíždí Lucio Ranucci na Kostariku, která bude po dobu deseti let jeho vlastí a bude mít její občanství. Ředitel Univerzitního divadla, přináší na scénu evropskou klasiku a na krátkou dobu má diplomatický post. Stejně jako jeho styl se Lucio Ranucci nešetří a pokračuje ve své práci malíře: na letišti v San Jose v Kostarice stojí jedna z jeho nástěnných maleb o rozměrech 13,18 metrů x 4,4, namalovaná v roce 1954 na velkých námořních překližkových panelech a mnoha jeho obrazy se nacházejí v soukromých sbírkách a ve veřejných galeriích v mnoha zemích Střední a Jižní Ameriky. Citlivý na tragédie lidí se zabývá žurnalistikou a televizí, která se aktivně účastní středoamerických politických událostí, a to až do konce vězení v Managua v Nikaragui po zabití generála Somozy Garcii v roce 1956.

Krychlový expresionismus, který charakterizuje díla Lucia Ranucciho, je doprovázen sublimací lidstva. Postavy jsou slavnostní, vždy frontální, statické, neměnné, protože existence, kterou jim osud předurčil, se jeví jako neměnná.

Události postav, které se zabývají malbami Lucio Ranucciho, jsou pevné, spolu s myšlenkami, důvody, touhou po spravedlnosti, po níž touží a žízní. Oči bez žáků, velké jako štěrbinky, jsou jediným přístupem do vnitřního světa subjektů, který malíř vyjadřuje také pomocí barev. Odstíny modré a okrové jsou často věnovány tématu „Chudoba“, ale žluté a červené se šíří krátkými a rozhodnými tahy štětcem, které vytvářejí obdélníkové žehlení, jsou vyhrazeny pro téma Svádění.

V padesátých letech se Lucio Ranucci účastnil mnoha významných kolektivních výstav, včetně „Bienal Panamericana de Mexico“ v ​​roce 1958 a „Bienal de Sao Paulo“ jako zástupce Kostariky. V roce 1959 jako redaktor odpoledních novin „Ultimas Noticias“ provedl rozhovor s diktátory Fidelem Castrem a Che Guevarou na Kubě.

Ranucci se však profesionálně cítí jako malíř a povaha jeho umění se nadále živí scénami každodenního života. Mezitím se politická situace na Kostarice stává neudržitelnou, Lucio Ranucci se účastní zbraní proti puči zaměřenému na získání moci. Vzhledem k politické nejistotě, v níž není zaručena jeho osobní svoboda, se Lucio Ranucci v roce 1963 vrací do Itálie.

V raných létech v Itálii Lucio Ranucci, který je nyní etablovaným malířem se stovkami výstav po celém světě, žije a pracuje mezi Římem a Ischií, kde má ateliér s dechberoucím výhledem na moře. V zimních měsících se Ranucci stěhuje do tepla Kalifornie, do San Franciska, kde na jeho nová díla čeká velké množství obdivovatelů. V současné době se usadil na francouzské riviéře.

Realita, která ho obklopuje, je i nadále předmětem jeho obrazů. Jeho poslední plátna, stejně jako ta první, obsahují jeho vypovězení dramatických událostí, obyčejné chudoby lidí a útlaku silných nad slabými. Lucio Ranucci po první knize vydané v Limě v roce 1949 „Alguien camina sobre el sol“ napsal „The Colonels“ v roce 1965 a „Il long flaming“ v roce 1978 (o nešťastných zemích Jižní Ameriky) a v roce 1979 provedl jeho poslední práce novináře vracejícího se do Managuey u Sandinistas Edena Pastory.

V roce 2002 Lucio Ranucci věnoval 24 děl ze své osobní sbírky obci Soriano nel Cimino (rodiště jeho otce a místo šťastných let ve společnosti příbuzných), které jsou nyní vystaveny na zámku Orsini. Během své dlouhé malířské kariéry vystavoval Lucio Ranucci ve více než patnácti zemích po celém světě a se svou nezdolnou vášní pro umění stále bojuje za to, aby se umění vrátilo do kolébky kultury a paměti a aby žilo hlas protestu za lidská dramata.

Bojovný malíř říká: „Důležité je, že to jsou zasvěcenci, umělci, kteří najdou ducha vzpoury a říkají dost! Dost s těmi dovádění! Dost s výstavami, které vynalezli pochybní kulturní operátoři, aby zahájili pseudo umělce bez talentu kromě exhibicionismu Dost s drtivou lavinou banalit, které jsou vydávány jako výsledek původního výzkumu.

Dost s pověstí blesku vytvořených za 2 dny. Dost s pseudohloubkou věcí, které nejsou hluboké.

Dost s mafiánskou arogancí určitých konvencí, které manipulují na trhu s uměním. Především dost s vydíráním moderního umění, které se stalo tak silným, že zapojilo mnoho skutečných umělců a zavádělo mnoho mladých talentů, kteří již nenalezli odvahu být skutečně sami sebou. . Stačí zahájit pomíjivou módu nebo se neustále pokoušet šokovat dobrého pana Rossiho, který je nyní tak vodotěsný, že nepoškozený a lhostejný prochází jakýmkoli údajným kulturním cyklonem. “


Silvia Guerra - Její obrazy


Tato práce je šířena na základě licence. Obsah webu můžete použít, pouze pokud to děláte pro nekomerční účely, aniž byste prováděli změny a uváděli zdroj. Creative Commons Attribution - nekomerční - žádná odvozená díla 4.0 mezinárodní.

Umění odhaleno je projekt Giuseppe Nifosìho. Tento blog má čistě didaktický a informativní účel. Jelikož nejde o zisk, nepředstavuje reklamní bannery jakéhokoli druhu. Nejedná se o noviny, protože jsou aktualizovány bez jakékoli pevné periodicity. Podle zákona 62 z roku 2001 jej tedy nelze považovat za redakční produkt.

Obsah článků v blogu je výsledkem a vyjádřením osobní vůle autora. Vložené obrázky nejsou dílem autora (pokud není výslovně uvedeno), ani nejsou jeho majetkem. Patří k jejich příslušným držitelům autorských práv a jsou zobrazováni v dobré víře, což je považuje za volně šířené, protože jsou již přítomny na jiných internetových stránkách.

Jsou také publikovány v nízkém rozlišení nebo v degradované podobě a v souladu s účelem blogu, bez jakéhokoli zisku a pouze pro vzdělávací účely, v souladu s čl. 70 odst. 1-bis * zákona č. 633 ze dne 22. dubna 1941, "Ochrana autorských práv a dalších práv souvisejících s jeho výkonem". Pokud však jejich zveřejnění porušuje konkrétní autorská práva, mohou držitelé autorských práv kdykoli požádat o jejich vymazání z blogu a jednoznačně prokázat své duševní vlastnictví prostřednictvím e-mailu.

U všech videí, obrázků a dalších materiálů dosažených prostřednictvím externích odkazů nebo jednoduše vložených (vložených) na stránky tohoto blogu je nutné s ohledem na jejich obsah odkazovat na původní web, který je hostuje, artesvelata.it nepředpokládá žádné odpovědnost. Nakonec autor blogu prohlašuje, že nenese odpovědnost za komentáře uživatelů a vyhrazuje si právo mazat komentáře považované za urážlivé, provokativní, zbytečné nebo reklamní povahy.

* Bill S1861: Ustanovení týkající se Italské společnosti autorů a vydavatelů (definitivně schváleno Senátem dne 21.12.2007).

Článek 2 (bezplatné didaktické a vědecké použití)
1. Po odstavci 1 článku 70 zákona ze dne 22. dubna 1941, č. 633 a následných změn se vkládá nový text, který zní: «1-bis. Bezplatná bezplatná publikace obrázků a hudby prostřednictvím internetu v nízkém rozlišení nebo degradované pro vzdělávací nebo vědecké účely a pouze v případě, že takové použití není pro zisk. Omezení didaktického nebo vědeckého použití uvedená v tomto odstavci stanoví vyhláška ministra kulturního dědictví a činností po konzultaci s ministrem veřejného školství a ministra pro univerzity a výzkum po konzultaci s příslušnými parlamentními komisemi. “.

Zvuková verze:

Na začátku třicátých let dvacátého století, čelí progresivní autoritářská involuce který charakterizoval politiku některých evropských zemí, v Evropě dospělo mnoho umělců a intelektuálů hluboký existenční a kulturní neklid, spojený s vnímáním útoku na demokracii a obtížností, někdy i nemožností, najít vztah k vlastnímu historickému času. Proto hlasovali pro své podnikání jasné a neúprosné svědectví o rozporech ovlivňujících společnost. Umění, režimy, druhá světová válka.

Tito umělci se vzpírali hněvu nastolené moci, riskovali izolaci, uvěznění a vězení, někdy přijímali drsné podmínky exilu, a proto se nespojili s očekáváními a požadavky režimů, ale pokračovali ve svém avantgardním výzkumu a ne jen zřídka odsoudili s drsné a dokonce pohrdavé tóny rozpory, narušení, hrůzy té diktátorské politiky, proti které byli vrženi.

Velcí mistři proti režimu

Oscar Kokoschka (1886-1980), velký mistr rakouského expresionismu, který se uchýlil do Anglie, odvážně odsoudil moderní plutokracii, „která vyžaduje“, slovy umělce, „podporu středověkého tmářství k útoku na mírumilovné národy, aby se udrželi u moci s terorem, provokací, masovými popravami k mučení oponentů v koncentračních táborech, k provokování pogromů. Funkce tvůrčího člověka, jediného, ​​který ho společensky ospravedlňuje, je funkce, která ho vyzývá k tomu, aby se postavil proti moci, roztrhl závoj pověry z lidské činnosti a svědčil svým životem po celý život. “ George Grosz (1893-1959), přední představitel německé Nové objektivity, tvrdil, že každý umělec má morální povinnost vzdát se čistého umění.

Paul Klee (1879-1940), který uprchl do Švýcarska, a navzdory sklerodermii, vážné nemoci, která ho postihla, bez váhání přeložil svou naléhavost výpovědi do zásadních, ale velmi účinných děl, když přišel vykreslit Hitlera jako malého malého muže s oči od šílených. V '33 on self-vylíčil dovnitř Odstraněno ze seznamu v podobě bezvýrazné africké masky s velkým X, které vymaže jeho lidskou identitu. A také španělsky Pablo Picasso (1881-1973), s jeho Guernica, pronesl možná nejvyšší a nejušlechtilejší výkřik své doby se záměrem otřást otupělým svědomím svých současníků.

Paul Klee, Hitlerova karikatura, tužka na papíře. Soukromá sbírka. Paul Klee, Odstraněno ze seznamu, 1933. Olej na plátně. Bern, Zentrum Paul Klee.

Odvaha vypovězení

Ostatní malíři odsuzovali s plným svědomím nebezpečí spojené s politickou involucí, a to jak představováním úzkosti a násilí, které se hadilo v jejich městech, tak vytvořením děl, ve kterých se již objevovaly první symboly obávané apokalypsy. Tito umělci pocházeli z avantgardní kultury, což pro ně bylo téměř přirozené volba kombinovat politický závazek s výpovědní hodnotou uměníprostřednictvím jazyka, který je programově vzdálený od těch úhybných kompromisů, které tehdejší společnost výslovně vyžadovala. Volba, kterou zaplatili za velmi vysokou cenu, s izolací, vyhnanstvím a dokonce i vězením. Umění, režimy, druhá světová válka.

Kollwitzova reakce

Käthe Kollwitz (1867-1945), německá malířka, grafička a sochařka, vyjádřila svůj sociální závazek dramatickým realismem. Umělec, který během první světové války ztratil syna na frontě, učinil dialog se smrtí jedním z hlavních důvodů výzkumu. Svými grafickými pracemi, nikdy rétorickými, nikdy patetickými, ale naopak, okamžitě a efektivně komunikativní, chtěl svědčit násilí nacismu na jednotlivci, zejména u žen a dětí, prezentovány jako bezmocné a předurčené oběti.

Maloval nebo modeloval scény a námety převzaté z každodenního života, zachycené v jeho méně poučných aspektech, a především produkoval obrazy matek, jejichž bolest dobře vyjadřovala tragédii, kterou zažívali obyčejní lidé v letech režimu a konfliktu. Válka, napsal Kollwitz, «vždy brala a vzala pryč. Vzal muže a vzal víru, vzal naději, vzal sílu ». V roce 1933 byla vinna z toho, že podepsala odvolání proti nacistickému nebezpečí, a byla nucena rezignovat na berlínskou akademii, kde učila, od roku 1936 měla zakázáno vystavovat svá díla.

Käthe Kollwitz, Smrt a děti, 1934. Litografie, 50 x 42 cm. Gingins, Fondation Neumann.

Heartfieldova reakce

Hedmut Herzfelde (1891-1968), německý malíř naturalizovaný jako angličtina John Heartfield, byl schopen nasměrovat původní jazyk fotomontáže, vyvinutý během dadaistické zkušenosti, na silnou a syntetickou schopnost sdělit morální i politickou zprávu. Umění Heartfielda, který vstoupil do komunistické strany v roce 1918, je neustále spojeno s jeho politickým nadšením. Jeho portrétní fotomontáž Hitlera pro časopis „AIZ“ (Arbeiter Illustrierte Zeitung, „Giornale Illustrato Operaio“) je známá: Adolfo, nadčlověk spolkne zlato a zvrací nesmysly, z roku 1932, s nímž umělec odsoudil vztahy, které spojovaly budoucího diktátora s velkými německými kapitalisty.

V Hitlerově jícnu, jako by to bylo pomocí rentgenového záření, je ve skutečnosti vidět hromada mincí, počínaje od již plného žaludku, zatímco místo srdce má místo svastiky. V roce 1933 se Heartfieldovi podařilo uprchnout těsně před zajmutím SS. Uchýlil se do Prahy, kde pokračoval v práci a ujistil se, že jeho fotomontáže dorazily do Německa. V roce 1937 byla některá jeho díla vystavena na Degenerované výstavě umění. V roce 1938 byl nacistickým dobytím Československa znovu nucen uprchnout. Z Londýna pokračoval v akci vypovězení s obvyklým závazkem. Umění, režimy, druhá světová válka.

John Heartfield, Adolfo, nadčlověk spolkne zlato a zvrací nesmysly, 1932. Fotomontáž, z «AIZ», 38 x 27 cm. Berlín, Akademie der Kunste.

Zotavení posvátného

Mnoho umělců se uchýlilo k dimenzi symbolu a čerpalo inspiraci z nejdramatičtějších stránek posvátné historie. Pokud se téma zbožnosti stalo univerzálním obrazem trpícího mateřství, pak to ukřižování byl přijat, nad rámec jednotlivých zpovědních adhezí, as znak nového mučednictví celého lidstva. Toto téma využili nejen umělci inspirovaní křesťanem, jako je sochař Manzù, ale dokonce i malíři židovské kultury, jako je Rus Marc Chagall, nebo laici, jako Guttuso a Sassu. Kromě individuálních možností poetiky spojovala díla zrozená v tomto období vysoký tón, klasická tragédie, jediná, která dokázala proměnit svědectví na paměť pro budoucí generace. Umění, režimy, druhá světová válka.

Chagallova reakce

V roce 1937 Hitler nařídil odstranění děl Marc Chagall (1887-1985) německými muzei a jeho vliv na německé umělce hodnotí jako „nebezpečný“. Na výstavě degenerovaného umění byly vystaveny čtyři obrazy židovsko-ruského umělce. Chagall odpověděl v roce 1938 operou Ukřižování v bílé barvě, ve kterém použil postava ukřižovaného Ježíše jako symbol utrpení, do kterého lidstvo své doby upadlo: symbol, který považoval za všeobecně platný pro všechna vyznání.

Kolem Krista na kříži jsou uspořádány scény, které připomínají současný historický stav umělce: nalevo revolucionáři vyzbrojení červenými vlajkami plenili a zničili vesnici, ze které odpluje člun naložený gestikulujícími uprchlíky, zatímco ostatní v popředí Zdá se, že chtějí uniknout z obrazu přinášejícího do bezpečí svitky Tóry vpravo muž se svastikou na paži urážející židovský chrám, který hoří v plamenech, zatímco mýtická postava putujícího Žida (zeleně s čepicí) prochází tiše stoupající přes Tóru také v plamenech nad Mojžíšem (rozeznatelný podle dlouhého vousu a bílých šatů) utěšuje představitele svého lidu, svědky Staré smlouvy, kteří pláčou a zoufalství na pozadí černé oblohy dopadá paprsek bílého světla shora se dotýká Mojžíše a osvětluje Krista a umožňuje nám zahlédnout naději víry.

V roce 1941 musel Chagall opustit Evropu, aby se přestěhoval do Spojených států.

Marc Chagall, Ukřižování v bílé barvě, 1938. Olej na plátně, 1,55 x 1,40 m. Chicago, Institut umění v Chicagu.

Degenerovat umění

S upevněním Hitlera u moci v Německu byla svoboda projevu umění brzy potlačena násilnou a systematickou cenzurou. Führer se ve skutečnosti rozhodl organicky a systematicky zrušit vše, co považoval za hrozbu pro ideologické zploštění, které jeho program předpokládal. Tak to bylo, že nevítané knihy byly spáleny na veřejných náměstích, práce avantgardy vystavené v muzeích začaly být stahovány a ničeny, podezřelé školy, jako je Bauhaus, byly zavřeny a mnoho umělců se od výuky odvrátilo. Malíři, sochaři a architekti, kterým se režim nelíbil, byli nuceni odejít do exilu nebo se skrývat.

Některým z nich bylo také zakázáno vystavovat a dokonce i vyrábět. Hitler nařídil konfiskaci více než šestnácti tisíc děl: Kubistické, expresionistické, dadaistické a abstraktní sochy a plátna byly částečně určeny ke hře (v roce 1939 v Berlíně), částečně prodány v aukci americkým a švýcarským muzeím, částečně zakoupeny tajně některými hierarchy. Umění, režimy, druhá světová válka.

Výstava „Degenerované umění“

Proces cenzury vyvrcholil v roce 1937 výstava "Degenerovat umění": „expozice skandálů“, jejímž cílem bylo ukázat veřejnosti prostřednictvím 650 vybraných děl umělecké žánry nepřijaté novou nadřazenou rasou a přesně definované jako zvrhlé. 112 autorů zakázaných děl bylo prohlášeno za duševně nemocné. Byli to většinou expresionisté a dadaisté, ale nebyl tam žádný nedostatek abstrakcionistů, surrealistů a také představitelů secese: mezi nimi George Grosz, Otto Dix, Vasilij Kandinskij, Marc Chagall, Paul Klee, John Heartfield, Ernst Ludwig Kirchner , Emil Nolde, Edvard Munch, Lovis Corinth, Max Ernst, Erich Heckel, Oskar Kokoschka, El Lissitzky, Franz Marc, Piet Mondrian, Vincent Van Gogh.

Obálka katalogu výstavy degenerovaného umění, Mnichov, 1937.

Práce umístěné v Archeologickém ústavu byly naskládány, nezarámovány, v úzkých a špatně osvětlených místnostech, doprovázeny sarkastickými nápisy na okolních zdech a lístky s cenou, kterou muzea zaplatila za jejich nákup. Někdy figurativní obrazy, zejména expresionistické, byly konfrontován s prací duševně nemocných v psychiatrických léčebnách a dokonce i s fotografiemi postižených, nemocných a zmrzačených lidí. Stručně řečeno, samotná výstava byla koncipována tak, aby bránila pochopení prací a pro vyživujte publikum pocitem klaustrofobie a pocitů nesnášenlivosti. Umění, režimy, druhá světová válka.

Místnost výstavy degenerovaného umění, Mnichov, 1937.

Nashovo vypovězení

V letech druhé světové války, noční můra nabyla vizionářských rozměrů. Obrazy vybrané malíři a sochaři byly inspirovány nejkatastrofičtějšími mýty v historii lidstva, zejména biblickými. Téma násilí člověka na člověku bylo opět navrženo v jeho hrubosti, se zvláště vysokými dramatickými body. Umění, režimy, druhá světová válka.

Paul Nash (1889-1946), anglický surrealistický malíř jmenován válečným umělcem (jako důstojník britské armády), ve své malbě Sledujte Führera po sněhuz roku 1941 navrhl halucinovaný obraz se zjevným symbolickým významem, pravděpodobně jedním z nejvíce evokujících a šokujících, které vytvořil Nash na téma války. Pustina, výraz porušený svět, který ztratil všechny naturalistické konotace, se objeví posetý ječícími, groteskními, obludnými tvářemi, často výslovně omezenými na stav lebek. Načervenalé nebe evokuje barvu rozlité krve a předznamenává nadcházející apokalypsu. Tato znepokojivá inscenace je jednou z nejdramatičtějších metafor bolesti, smrti a destrukce mezi těmi, které malovala v letech konfliktu.

Paul Nash, Sledujte Führera po sněhu, 1941. Sádra, akvarel a koláž, 38 x 56 cm. Londýn, Imperial War Museum

Vypovězení Birkin a Cagli

Židovský malíř Edith Birkin (1927--2018), deportován do Lodžského ghetta v roce '41 a později do Osvětimi, přežil práci v továrně na munici a v roce 45 byl propuštěn. Jeho trýznivé práce jsou živou připomínkou strachu a hrůzy v koncentračních táborech, ale především odcizení, zničení osobnosti, kterou museli deportovaní snášet. Umění, režimy, druhá světová válka.

Edith Birkin, Pole dvojčat, Osvětim, 1980-82. Akryl na pevném panelu, 91 x 71 cm. Londýn, Imperial War Museum

Corrado Cagli (1910-1976), malíř židovského původu, byl po zahájení kariéry malíře fresek donucen v roce 1938 kvůli ostření rasových zákonů opustit Itálii. Nejprve se přestěhoval do Paříže a poté do New Yorku. Poté, co získal americké občanství, se spolu s ostatními americkými vojáky účastnil vylodění v Normandii a poté, co bojoval v Belgii a Německu, vstoupil se spojeneckými silami do nacistických vyhlazovacích táborů. Jeho kresby Buchenwalda, vydané v albu v roce 1945, zůstávají nejrozumnějším a nejchladnějším umělcovým svědectvím o hrůzách války.

Corrado Cagli, Buchenwald, 1945. Akvarelový inkoust na papíře, 277 x 35 cm. Soukromá sbírka.

Výpověď Carla Leviho

Carlo Levi (1902-1975), Turín židovského původu, byl spisovatel i malíř, jeden z nejvýznamnějších ve dvacátém století. Svou malbu s jasnou expresionistickou maticí vždy považoval za projev svobody, v ostrém kontrastu s rétorikou oficiálního umění, kterou považoval za zcela podřízenou moci. V roce 1931 se Levi připojil k protifašistickému hnutí „Spravedlnost a svoboda“ pro tuto politickou aktivitu, která byla zatčena v roce 1934 a následující rok odsouzen k uvěznění v Lucanii. Z tohoto dramatického zážitku se zrodil jeho nejslavnější román, Kristus se zastavil u Eboliho (publikováno teprve v roce 1945), kde spisovatel odsoudil nelidské životní podmínky rolníků, zapomenutých státem, k nimž „se zdá, že ani Kristovo slovo nikdy nedosáhlo“. Umění, režimy, druhá světová válka.

Během války se Levi aktivně účastnil odboje a právě v těchto letech se jeho malba, kterou nikdy nepřestal praktikovat, stala přísnější a dospěla k tomu, co sám definoval jako „základní naturalismus“, realismus, který nebyl čistě ilustrativní ale bohatý na morální konotace, nabitý zvláštním expresivním napětím, s nímž vytvořil díla, která bez předstírání hovořila o životě, zaplavená tragédií. Typické pro tyto roky jsou jeho nahé obrazy, spojené s pustou a neúrodnou krajinou, získané třesoucími se tahy štětcem, pokryté barvami ponurých tónů. v Mrtvé ženy (předtuchový koncentrační tábor) v roce 1942 těla nahromaděná v dramatické spleti představují apokalypsu války lépe než jakákoli metafora, což předznamenává strašlivou realitu, která až o tři roky později odhalí osvobození koncentračních táborů. Umění, režimy, druhá světová válka.

Malba jako forma odporu

Prchající před pronásledováním německých armád, skrývající se v úkrytu před nacistickými jednotkami, Levi používal malování, jako politickou akci, jako forma odporu proti nacisticko-fašistickému barbarství. Jak napsal v roce 1944, „strach ze svobody je sentiment, který vyvolal fašismus. Pro ty, kteří mají duši služebníka, jediný mír, jediné štěstí je mít pána a nic není únavnější a skutečně děsivější než výkon svobody “. Umění, režimy, druhá světová válka.

Carlo Levi, Mrtvé ženy (předtuchový koncentrační tábor), 1942. Olej na plátně, 50 x 61 cm. Řím, Nadace Carla Leviho. Margaret Bourke-White, Buchenwald. Německo, 1945. Fotografie.


Video: Lité obrazy - PouringArt -TEST - abstrakt - ČAKRY - od Kreativní tvoření - Iva